Our class

 

Вчера съездил в Нью Йорк посмотреть в БАМе новый спектакль Игоря Голяка по пьесе Тадеуша Слободзяника "Наш класс".

Это спектакль об ужасе, происшедшем в Едвабно, где в июле 1941 года, когда в село пришли немцы, соседи-поляки сожгли своих соседей-евреев, более 1500 человек.
Как ни обидно (или стыдно) признаться, спектакль не очень задел меня эмоционально, кроме самого последнего момента, когда действительно сжало горло.

После спектакля, во время долгого пути домой, я думал о том - почему. 
В спектакале, как обычно у этого режиссера, много сильных театральных эффектов. Сцена раздвигается и вглубь и вверх, большая белая тряпка становится то скатертью, то экраном, то фатой несчастной невесты. Воздушные шары взлетают вверх, это души сожженных. И Тум балалайка, которую одноклассники, евреи и поляки, поют хором в начале спектакля, иллюстрируя как всё было дружно до 1935 года.
В общем, сильный, серьезный спектакль. Он задел многих, они написали об этом, вот же я и поехал. И они все плакали. А я? Сжатие горла не считается.
И вот что я понял на обратном пути, во время которого случайно нашел и сразу прочитал на телефоне эту пьесу на русском языке.

Есть пьесы о характерах и чувствах героев. В них немного действующих лиц, мы следим и переживаем вместе с ними их жизнь. Если эта жизнь похожа на нашу, если проблемы, возникающие на сцене - это наши проблемы, и актеры играют так, что мы входим с головой в то, что происходит, то театральные эффекты становятся необязательны, как они необязательны в нашей жизни. Слезы приходят... ну не знаю... от того, что ты видишь свою жизнь со стороны с ее тщетой и безуспешными попытками "вырваться", с ее неотвеченными вопросами, ну не знаю. В таких спектаклях и ко мне приходят слезы. 

А есть спектакли, где много действующих лиц, и смысл таких спектаклей - зримо, ярко рассказать зрителю о прошедших или текущих событиях. Характеры персонажей, их внутреняя жизнь отходят на второй план. Они - участники событий, и чем театральнее эти события показаны на сцене - тем сильнее воздействие. 
На меня ужас того, что произошло в Едвабно, ярко показанный в спектакле Голяка, прослеживание судеб участников этого ужаса, жертв и убийц, когда-то бывших одноклассниками, подействовал не через сердце, а через ... голову, что ли.

За последние несколько месяцев я посмотрел 2 спектакля, оба - об антисемитизме. Первый, Молитва за Французскую республику, идет сейчас на Бродвее. Он точно стоит поездки в Нью Йорк. Он для меня - первого типа. Второй, Наш класс, несомненно, - второго.

В антракте я увидел Игоря. Он стоял в фойе, ждал кого-то.  Я подошел к нему, поблагодарил за спектакль, спросил, привезет ли он его в Бостон. Нет, - сказал он, - Может быть, в Лос Анжелес и в DC, но это еще не точно. Спасибо, что приехали, - сказал он.

PS. Вот линк на пьесу. 

https://www.rulit.me/books/odnokxlassniki-istoriya-v-xiv-urokah-read-224907-1.html

Спектакль поставлен почти дословно. Ничего не смягчено из той ненависти, с которой в пьесе показаны обычные польские ребята, так легко превратившиеся в убийц, послевоенная Польша, где эти убийцы вполне пришлись ко двору, и антисемитизм поляков, даже тех, кто спасал евреев. 

Такой спектакль был поставлен и продлен на неделю в театре БАМ.

Свободных мест в зале не было. Разговоров на русском в антракте не слышал. 

Prayer for the French republic

 

Не помню, когда мы последний раз были в театре.

Не помню, когда последний раз спектакль произвел такое сильное впечатление.

Ничего не ждал, никаких откликов не слышал. И вот - на тебе! 

Спектакль о годе жизни одной семьи французских евреев. Муж, жена, сын и дочь. Действие происходит в 2016-17м годах. Время антисемитских терактов, стрельбы в кошерном магазине в Париже и убийства в Париже старой еврейки соседом по площадке.

Не хочу пересказывать содержание, потому что спектакль еще идет в Huntington Theater.

Скажу только, что таких слов о евреях и их истории, сказанных со сцены большого профессионального театра в практически полный зал, я не слышал, я думаю, никогда. В наше-то политкорректное время показать семью, решающую уезжать или нет из Франции, где их предки жили сотни лет, в Израиль, где, конечно, тоже небезопасно еврееям, но на тебя не смотрят с ненавистью, когда ты в кипе идешь по улице. Показать, как они зажигают субботние свечи, ханукальные свечи, как они читают Агаду на пасхальном седере. (Семья при этом не ортодоксальная, а, как мать говорит, традиционная). 

Финал - мощное крещендо череды эпизодов, которые и так смотрятся с неослабным вниманием. 

Ну разве что я бы сильно сократил параллельно с современными идущие эпизоды из жизни прадедушки и прабабушки матери, чудом уцелевших в Париже во время войны. Или даже совсем убрал. Но если кто-то мне скажет, что они необходимы в пьесе, - пусть остаются!

Спектакль уже шел в Нью Йорке "вне Бродвея" и сейчас возвращается в Нью Йорк, но теперь уже - на Бродвей.

Для тех, кто предпочитает посмотреть его на Бродвее, билеты уже поступили в продажу.

https://www.manhattantheatreclub.com/shows/2023-24-season/prayer-for-the-french-republic/#:~:text=Winner%20of%20the%202022%20Drama,news%20of%20their%20missing%20family.

You will not play Wagner

 

Несколько вечеров назад состоялась премьера этой очень хорошей, на мой взгляд, постановки.

Эта постановка мне понравилась по многим причинам. 

Мастерство режиссера, Лили Левитиной, сделавшей в зумовском формате в ковидный год (!) фильм-спектакль, который смотрится на одном дыхании.

Замечательное актерское мастерство исполнителей главных ролей: молодого израильского дирижера, выбравшего для своего конкурсного выступления произведение Вагнера. И единственного спонсора этого конкурса, богатой американки, пережившей Холокост. Она пытается убедить молодого человека отказаться от своего выбора. Именно убедить, а не заставить отказаться под угрозой отмены конкурса.

В этом диалоге, точнее, яростном споре, где каждый отстаивает позицию, которая ему кажется абсолютно правильной, мастерство автора пьесы, южноафриканского художника и драматурга Виктора Гордона произвело на меня, пожалуй, самое сильное впечатление. 

Потому что обе позиции представлены убедительно и ярко. 

Написано так, что я не знаю, на чьей стороне автор. Поставлено так, что я не знаю, на чьей стороне режиссер. Они дают высказаться дирижеру, убежденному, что пора оставить позади память о Холокосте, хватит чувствовать себя его жертвой. Пора понять, что мы сильны настолько, что можем взять лучшее в немецкой или любой другой культуре независимо от того, как авторы относились к евреям или Холокосту. Тем более, что Вагнер умер задолго до Холокоста и не виноват в том, как использовал его музыку Третий рейх.   

И мы слышим старую женщину, пытающуюся объяснить "юному дарованию", что нацизм взял своим символом музыку Вагнера неслучайно. Что она, учившаяся скрипке в детстве, была  в концлагерном оркестре, и они играли там Вагнера. Время на вашей стороне, - говорит она дирижеру. Подождите, - просит она, - пока мы уйдем. 

Они не договорились. Но их спор помог мне решить, на чьей я стороне.

Перед премьерой на экране появился вопрос: "Как вы считаете, надо ли исполнять Вагнера?" Предлагалось 3 варианта ответа: Да. Нет. Сложно ответить однозначно. Через несколько минут  появился результат опроса: 75%, я в их числе, выбрали третий ответ, оставшиеся голоса разделились между Да и Нет примерно поровну. 

После просмотра появился другой вопрос: "Как вы считаете, следует ли дирижеру из пьесы исполнять Вагнера?" Предлагалось 2 ответа: Да или Нет. Вскоре появился результат: Нет - 75%. Я снова оказался с большинством. Пьеса существенно изменила мой взгляд на эту проблему.

Всего 2 года назад эта тема в блоге уже обсуждалась (https://moviesarttalk.blogspot.com/2019/08/blog-post.html). Была активная дискуссия За и Против. Пьеса и режиссер помогли мне понять вот что. 

Пока живы те, у кого музыка Вагнера вызывает в памяти кошмары, через которые они прошли, вызывает потому, что она звучала в этих кошмарах, я не буду слушать Вагнера. И если люди, пережившие Холокост, будут протестовать против его исполнения в Бостоне, я поддержу их.    Не потому, что Вагнер был яростным антисемитом, а потому, что он стал символом фашизма. Антисемитизм деятелей прошлого, русских писателей или французских просветителей, отвратителен, но их произведения не вдохновляли на погромы и массовые убийства. 

"Память о Холокосте, - сказал мне недавно один замечательный собеседник, - для человечества, может быть, даже важнее, чем для евреев. Может быть, этот ужас потому и произошел с нами, что мы никогда ничего не забываем, и через нас человечество помнит?"  

Постановку можно посмотреть здесь: https://www.youtube.com/watch?v=xPcFWY6PACE

Не знаю, как долго она будет доступна.

Что смотреть, сидя дома.

7 российских спектаклей XXI века в записи
https://www.gq.ru/entertainment/besplatnye-spektakli-xxi-veka

Я не знаю, как долго будут открыты эти записи. Я собираюсь, правильнее сказать - надеюсь, посмотреть несколько спектаклей оттуда.

В очередной раз спасибо Нине Гольдмахер за интересную информацию.

«ТРИ СЕСТРЫ» в «Урал. Опера. Балет» 2020

Пост Т. Бетчер (Москва)
Заключительный московский этап всероссийского фестиваля «Золотая маска»  - ежегодно ожидаемое событие. Патриотично заранее смотрю, кто из Екатеринбурга «прорвался» на столичную сцену, и спешу заранее купить билеты, в первую очередь, на «своих».
Свои, т.е. «Урал. Опера. Балет», нынче привозят одну оперу и два балета – для одного театра очень здорово! Не думаю, что, сломя голову, побежала бы на оперные «Три сестры» в какой-нибудь другой театр, но в «свой» побежала, хотя и без особых надежд.
Об опере венгра Петера Этвёша (1998) уже есть статья в Википедии, а мы только-только узнали, что она считается «последней великой оперой двадцатого века». В Екатеринбурге об этом узнали раньше и поставили её первыми в России.
Самым удивительным для меня стало то, что это оказался самый чеховский спектакль из всех, что я видела в последние годы. И даже несмотря на то, что приглашенный на постановку британец Кристофер Олден не смог обойтись без сцены совокупления Маши и Вершинина на обеденном столе, он, как мне кажется, выразил действительно чеховское отношение к персонажам драмы.
В российской традиции образы сестёр традиционно приподнимались, а то и возвышались, потому что не они были скучны, неталантливы, несозидательны, пассивны, а потому что жизнь вокруг была несправедливой, пошлой, глупой, жестокой. Вот они и колыхались плакучими берёзками на историческом ветру.
В 1976 тогда ещё очень интересный Никита Михалков в «Неоконченной пьесе для механического пианино» представил «чеховских интеллигентов» как прекраснодушных бездельников, лицемерных пошляков, показал их людьми, не соответствующими выбранным профессиям врача, учителя, высокомерно паразитирующими на тех, кто умеет работать и зарабатывать деньги. Может быть  потому, что фильм был снят «по мотивам», он никак не повлиял на театральные постановки «Дяди Вани», «Иванова», «Трёх сестёр». Их герои продолжали оплакивать свои погибшие жизни, виня в этом кого угодно, только не себя.
Композитор Петер Этвёш и его соавтор либретто Клаус Хоннеберг на основе пьесы создали предельно лаконичный и очень точный трёхчастный с прологом текст, который композитор облёк в музыкальную партитуру, и получился дисгармоничный, но очень цельный и выразительный образ дома, жизни сестёр Прозоровых и всех его обитателей и гостей. Никакой радости, никакого удовольствия, ни одного запоминающегося музыкального фрагмента, но какое сильное впечатление, как всё эмоционально насыщено!
Произведение имеет подзаголовок: «опера в трёх последовательностях», а последовательности названы секвенциями, т.е. повторами и носят имена – Ирина, Андрей, Маша. Хронология пьесы заменена переживанием происходящего этими персонажами, где одни и те же события повторяются, не повторяясь в их восприятии. И мы понимаем, насколько герои лишены радости жизни, воли к жизни, насколько не в состоянии внести смысл и цель в свой труд, как не слышат друг друга, как легко внутренне опускаются и опустошаются. Именно это – нелюбовь к труду и неумение осмысленно трудиться, бессмысленность существования, нечуткость и нравственную глухоту не прощал Чехов современникам. И   видел он в таких людях не непонятых страдальцев, а людей, предавших себя, свои дарования, не оправдавших, не отработавших  полученное образование. Об этом и опера «Три сестры»  Этвёша и Хеннеберга. 

Чайка. Arlekin Theater, Needham MA

Пост Нины Гольдмахер 

В пятницу мы посмотрели "Чайку" Чехова в русском театре Arlekin Players в Нидаме.
Спектакль идёт по-английски. Это перенос Чехова в современность, с современными костюмами, минимальным реквизитом и интересным решением сценического пространства.
Я не очень люблю осовременивание классических пьес, но у них получилось. И актёры играют хорошо.
Зал маленький, сидите вы почти на сцене. Хотя я не восприняла некоторые режиссёрские находки, но большая их часть для меня сработала, надо только забыть про то, что это 19-й век. Талантливый спектакль. Они его продлили до 15 декабря. Мне понравилось,

Два спектакля

За последние несколько месяцев посмотрел 2 спектакля в своем когда-то любимом театре Central Square Theater.
Оба показались не просто плохими - из рук вон плохими.
И нарушая собственное правило - не писать о том, что не понравилось, пишу, потому что решил прекратить на пару лет свое довольно тесное общение с этим театром.
Грустно, потому что у меня теперь нет в Бостоне театра, куда я бы мог ходить без боязни нарваться на спектакль, на котором досидеть до конца требуются значительные усилия.

Первым таким спектаклем стал Cloud 9.
Поставленный нынешним художественным директором CST, которая является, я думаю, корнем всех бед, Lee Mikeska Gardner, это чудовищное нагромождение влечений каждого и каждой к каждому и каждой, кончается всеобщей ночной оргией в городском парке, где все успевают удовлетворить буквально все свои разнообразные сексуальные интересы за считанные минуты сценического времени. Во всем спектакле нет ни грана эротики. Есть только озабоченность разрушить все и всяческие рамки. Поэтому мужские роли английских колонизаторов (1-й акт пьесы -  об английских колонизаторах Африки в 19-м веке) играют черные женщины и наоборот. При этом женских персонажей пьесы со страшной силой влечет к женским персонажам, а мужские персонажи не различают ни пола, ни возраста. И когда актер, одетый женщиной, склоняет другого актера, тоже изображающего женщину, к любви, понимаешь, что в этом театре все посходили с ума, начиная с режиссера и драматурга.
Причина, по которой я пошел на этот спектакль, была именно драматург Caryl Churchill, которую в Англии считают одним из двух (вместе со Стоппардом) крупнейших современных английских драматургов. Больше сказать об этом спектакле мне нечего, кроме того, что он был с восторгом встречен бостонской прессой. Не как комедия, пародия, антиутопия, а как честный и смелый спектакль о колонизаторской роли Англии и сложностях в отношениях полов.

Вторым спектаклем стал Crucible А.Миллера.
Я пошел на него, потому что, во-первых, это школьная программа, а, во-вторых, этот спектакль поставлен CST вместе с театром, который недавно привозил Пигмалиона (https://moviesarttalk.blogspot.com/2019/02/bedlam-theater-new-york.html). Режиссер спектакля - Эрик Томсон, так замечательно поставивший Пигмалиона. Высидеть, тем не менее, было очень трудно. Длинная (больше 3.5 часов времени) нудная пьеса. Попытки драматизировать скучный текст сводятся к диким крикам и беготне по сцене.
Я знаю, что многие друзья уже купили билеты. Мой совет - если 1-е действие вам не понравилось, смело идите домой. Лучше не будет.
Бостонская пресса о спектакле еще не писала. Что-то подсказывает мне, что ей понравится этот честный и смелый спектакль об опасности религиозного мракобесия и сложностях в отношениях мужчин и женщин.

"Кому на Руси жить хорошо". Театр Гоголь-Центр Кирилла Серебренникова в Тель Авиве.

Свободу Кириллу Серебренникову! Отменить подписку о невыезде!

"Кому на Руси жить хорошо". Театр Гоголь-Центр Кирилла Серебренникова в Тель Авиве. Спектакль фотографировать не разрешили, но за это был замечательный гимик: русские "бомжи" вышли в перерыв в фойе и на улицу и приставали к почтенным гражданам. Молодой урка, привокзальный алкаш и недружелюбный бывший интеллигент, который не идет на компромиссы. "Кому на Руси жить хорошо" поставлен в 2015 году, жизнь идет вперед, нет, опять в неизвестном направлении, жить хорошо на Руси пока одной нефтяной трубе. Второе отделение привело меня в экстаз. В первом и третьем - много Некрасова, я плохо переношу его плачущую стонущую строфу, думаю, что актерам тоже нелегко приходится. Свободу Кириллу Серебренникову!

The Lehman Trilogy

Пост Марины Кузнецовой

На прошлой неделе посмотрела в Park Avenue Armory, New York, спектакль The Lehman Trilogy, 

привезенный лондонским National Theatre. 

Этот спектакль я отношу у числу своих самых сильных театральных впечатлений. Спектакль о приехавших из Баварии в конце XIX века трех братьях 
Lehman, ставших здесь знаменитыми Лиманами. Поставил его Sam Mendes. В спектакле заняты три актера, которые  перевоплощаются за долю секунды и мгновенье паузы во всех упоминаемых в пьесе персонажей (мужчин и женщин, стариков и детей), преображаясь у вас на глазах, даже не переодеваясь. Эту трагедию успеха на протяжении всего спектакля сопровождает щемящий мотив Ойфн Припечек, который не может вытравить ни эмиграция, ни даже ассимиляция. Спектакль в Нью Йорке идет до 20 апреля. Очень советую не пропустить трансляцию в Coolidge Corner Theater 30 июля.

Sam Mendes говорит, что в Лондоне и Нью Йорке этот спектакль играется по-разному. В Лондоне это, почему-то, комедия. В Нью Йорке это меньше всего было похоже на комедию, за три часа в зале никто ни разу не засмеялся. Трансляция, наверное, из Лондона.

Внизу – ссылка на интервью с Sam Mendes 

https://www.youtube.com/watch?v=3rb3I29zuGw

Театр Дмитрия Крымова

Пост Татьяны Бетчер (Москва)

Имя театрального режиссёра Дмитрия Крымова постоянно звучит  в контексте фестивальных афиш, рецензий на громкие премьеры, дискуссиях о современных театральных экспериментах. У него устойчивая репутация непрограммируемого постановщика классического театрального репертуара и русской прозы. Слушая интервью с ним, когда он, не поднимая глаз, не заботясь об артикуляции и слышимости своей речи, пространно отвечает на вопросы интервьюера, словно объясняя что-то самому себе, глядя на его расслабленную, растёкшуюся  в кресле фигуру, я никак не могла заставить себя заинтересоваться его творчеством. Нарочито замедленная невнятная речь, взгляд в себя, а если из себя – то поверх и мимо. Самовлюблённый сноб, творец «чистого искусства», позёр. Не пойду! И не шла очень долго. Пока подруга, вкусу которой вполне доверяю, не попала случайно на его «Серёжу» в МХТ не сказала: «Это очень необычно и впечатление совершенно неожиданное!».Пришлось преодолеть ещё один барьер – неприятие бесчисленных постановок «Анны Карениной» во всех жанрах, объединенных одним – мясо романа состругано до  костей Анны и Вронского, и эти кости со страшным скрежетом трутся друг о друга. 
Крымов сделал главной трагической фигурой спектакля сына Анны – Серёжу, роль которого исполняет деревянная кукла; главной трагифарсовой фигурой – мать Вронского; Анна и Вронский – фигуры, скорее, трагикомические, а все остальные – хоровод вокруг этих четверых. Спектакль не драматический, а, скорее, пластический. Текста минимум (спасибо!). Действие представляет собой череду отдельных эпизодов, каждый из которых целостен и выразителен сам по себе, будь это сцена первой встречи с Вронским, скачки,  роды, встреча с Серёжей … Найдены необычные ракурсы, приёмы, стилевые и пластические решения, которые выразительны,  эмоционально наполнены и понятны зрителю. Каждая отдельная мизансцена едва ли не вызывает восхищённое «АХ!».  А о чём же весь спектакль? Наверное, о том, что самую наиклассическую классику мы помним и несём в себе отдельными эпизодами, фразами, образами. Что большой текст мерцает в нас неожиданными ассоциациями, аллюзиями, привязками к собственному прошлому и настоящему, и именно это делает классический текст своим и близким.

Чтобы разобраться со своим впечатлением, пошла на ещё один спектакль Крымова в театр «Школа драматического искусства», где  до последнего времени работала «Лаборатория Дмитрия Крымова». Спектакль назывался: «Демон. Вид сверху». Вид был, действительно, сверху, потому что зал выполнен в традициях шекспировского «Глобуса» в три круговых яруса, а сцена-манеж ещё и опустилась. И над этим манежем вознеслось и повисло нечто чёрное, то, что сваяли на наших глазах из бумаги, верёвок и краски очень точными, отработанными приёмами юноши и девушки. Так как вознеслось оно под арию Демона в исполнении Шаляпина, то можно было заключить. что это и есть Демон, который сверху озирает земные страсти. А потом два действия
спектакля, происходящее в которых  можно описать только как «всё чудесатее и чудесатее!!». Из лермонтовской поэмы прозвучало строк 8 или 12 – ненавязчивая привязка к точке отталкивания. Смотришь на сцену заворожённо. Как-то всё увязывается друг с другом и вполне логично выстраивается. И смешно, и грустно, и весело, и неожиданно, и очень изобретательно, а главное – свободно, очень свободно.  Именно с весёлым чувством внутренней свободы уходишь со спектакля и понимаешь, что классический текст– это то, что дарит тебе свободу мысли, чувства и способа их выражения.

Slava's Snowshow - вчера в Опере Тель Авива

Вчера в Опере на Снежном шоу Славы Полунина. Мне показалось, что 90 процентов зрителей пришли не в первый раз на это представление. Как на концерте любимой рок группы, зрители знали наизусть все номера, и принимали их с буйным восторгом. Энергия зала делала свое дело, заряжала артистов и снова возвращалась в зал. Смерть героя, пронзенного тремя стрелами, нити кокона, захватывающие зал, акулы в море, одиночество героя, расставание на вокзале, снежная буря - всё это не только не смущало, а наоборот, укрепляло оптимизм собравшихся. Почему-то вспомнились слова учителя фехтования Арии из Игр Престолов. Ты умрешь, но не сейчас. Может кто-то где-то пишет диссертации, посвященные изучению и анализу творчества Полунина, если нет, то конечно напишут.

«Вендетта. Истории мафии» в исполнении труппы Les Grands Ballets Canadiens de Montré В Тель Авиве

"Пигмалион" Bedlam Theater, New York.

Посмотрели спектакль "Пигмалион", привезенный в Бостон нью йоркским театром "Бедлам".
Понравился. (Потому и пишу. Какой смысл ругаться? Какой смысл запоминать, если не понравилось?).
Ну казалось бы. Что можно сделать из пьесы с понятной идеей, с неожиданным когда-то, но уже давно известным концом? Какие у меня вопросы к этой пьесе, чтобы пойти на очередную постановку в поисках ответа? Что можно ждать от постановки пьесы, построенной на восхищении английским языком, его богатством, зная, что вначале вообще будет Кокни, в котором я все еще не вполне свободен, да и потом тоже несомненно будут проблемы с пониманием?
И все-таки рискнул 100 долларами (за 2 билета) и четырьмя часами жизни - и выиграл! Доволен - очень.
Да, были серьезные проблемы с пониманием слов. Пожалуй, больше даже, чем ожидал, потому что сцена была посередине, и многие слова говорились спиной к нам, лицом к той половине зала, которая сидела напротив нас. Это понятно, им тоже хотелось что-то услышать. Но сильно помогло знание сюжета. И вообще оказалось, что дело не в словах!
В более-менее традиционную структуру спектакля режиссер Eric Tucker (буду теперь следить за его работой) вставил 3 эпизода без слов, и они сделали эту постановку - театром. Во время этих эпизодов появляется музыка очень соответствующая происходящему на сцене. Музыка, передающая их состояние, их мысли, что ли.
И так как один из этих эпизодов был финальным, это произвело сильное общее впечатление. Так без слов кончались "Женитьба" и "Месяц в деревне" в спектаклях А. Эфроса.  То есть слова пьесы уже все были сказаны, но спектакль продолжался. До сих пор помню.
Ну и актеры были очень хороши, все, но особенно Хиггинс в исполнении Эрика Такера. Ах да, он же еще и звукорежиссер! Во всех трех ипостасях он мне очень понравился.
И в заключение - программка к спектаклю! Не помню, чтобы когда-нибудь хотелось написать o программке. А тут - замечательная статья об истории постановки пьесы Пигмалион. Шоу был первым постановщиком - и не мог справиться с актерами, которые хотели менять реплики и даже финал пьесы. Он плюнул и не появлялся ни на финальных репетициях, ни на последующих спектаклях. А когда все-таки через пару лет пришел на 100-ю постановку, пришел в ужас. Слова были не его, а самым ужасным был романтический финал!
Он ведь и до фильма дожил, и опять пришел в ужас. А потом автор, Hilary Rappaport, пишет: Ну что ж, статуя ожила. Ожила и пьеса. И та, и другая теперь живут своей независимой от автора жизнью. И в этом, может быть, сильнейшее доказательство мастерства художника. Интереснейшая статья. И замечательное приветствие театру и спектаклю Деборы Вайс.
Спектакль будет идти еще несколько дней.

Саломея Р. Штрауса в Опере Тель-Авива - новая ступень

Все, что, что мы знаем об опере, что это синтетическое искусство, где соединено всё: текст, музыка, вокал, драматургия, пластика и декорация - все это есть в новой сугубо израильской фееричной постановке Саломеи Рихарда Штрауса. Скоро будут ездить на оперу не в Вену,  а в Тель Авив!