Лейденская коллекция

Пост Татьяны Бетчер (Москва):
Что может связывать голландских художников 17 века и чемпионат мира по футболу -2018? Ответ: Москва. Именно потому, что в Москве будет проходить чемпионат, американские коллекционеры Томас  С. Каплан  и его жена  Дафна Реканати-Каплан привезли   часть своей уникальной голландской коллекции в музей им. Пушкина почти сразу после первой презентации в Лувре.
Думаю, ни в одной стране мира спортивное событие, даже масштаба олимпиады или чемпионата мира по футболу, не определяет жизнь страны в течение нескольких лет в такой степени, как в России.  Чтобы потрясти мир (не знаю только чем) к чемпионату мира по футболу - 2018 Россия буквально выпрыгнула из штанов, и среди всего-всего, призванного поразить воображение гостей, есть и выставка 82 полотен из 250 шедевров Лейденской коллекции.
Можно только поблагодарить организаторов этих выставочных гастролей, что выставка «Эпоха Рембрандта и Вермеера. Шедевры Лейденской коллекции» открылась за полтора месяца до чемпионата, и мы можем спокойно и не раз её посмотреть.  Конечно, приезд   третьей части всей Лейденской    коллекции в Москву и трехмесячное пребывание в ней – самое настоящее Событие, но событием мировой культуры 21 века является само рождение этой коллекции. Коллекции – и это самое невероятное - всего 15 лет, но она уже признана крупнейшим частным живописным собранием   современности. Интернет достаточно подробно знакомит с историей этого собрания и его составом, поэтому я хочу сказать о другом – о радости встречи с этой выставкой.
Конечно, со времён Екатерины Великой, украсившей Эрмитаж замечательной коллекцией «больших» и «малых» голландцев, они вошли в моду, и сегодня редкий российский художественный  музей не владеет хотя бы 2-3 натюрмортами или пейзажами голландской кисти. Голландской коллекции самого Пушкинского могут позавидовать многие европейские музеи. Достаточно вспомнить портреты Рембрандта и картину «Артаксеркс, Аман и Эсфирь», а ещё есть первоклассные работы Яна Ливенса, Карела Фабрициуса, Фердинанда Бола, Франца Халса Старшего….
В последние годы ГМИИ показал «Голландский групповой портрет золотого века из собрания Амстердамского музея» (2014), «Искусство жить. Интерьер бюргерского дома в Голландии эпохи расцвета» (2017) – обе выставки были дополнены голландскими экспонатами (оружие, посуда, одежда, обувь, предметы обихода) соответствующего времени из Оружейной палаты, Исторического музея, музея им. Глинки. Этот показ также дополнен вёрджинелом и его звучанием, потому что почти такой же изображен на картине Вермеера «Молодая девушка за вёрджинелом».
Думаю, Пушкинский очень серьёзно готовил встречу и представление столь незаурядного частного собрания в контексте собственной коллекции. И вот что придумал: нe стал снимать со своих стен и перевешивать в выставочное пространство полотна основной экспозиции, а, во-первых, напомнил посетителям, что можно вспомнить о собственных музейных голландцах, и, во-вторых, в основных залах снабдил полотна специальными табличками, отсылающими к «лейденским» картинам этого же художника.  Получилось и интересно, и тактично по отношению ко всем.
А что же сама Лейденская коллекция? Нам показали крошечный рисунок Леонардо «Голова медведя». Клочок тонированной бумаги с карандашным наброском. Этому клочку пятьсот лет. Его держали пальцы Леонардо. Как он уцелел??! Начинаешь представлять – голова кружится… Конечно, этот артефакт выпадает из главной идеи собрания - представить Лейден  и сформировавшееся вокруг него художественное сообщество – но кто бы отказался приобрести рисунок Итальянца, если выпало такое счастье?! Тонкость этого рисунка как будто готовит к впечатлению от работ камерных лейденских художников: Геррита Дау (Портрет дамы с нотами на коленях), Каспара Нетшира (Две женщины с корзиной лимонов), Михила ван Нюсхера ( Портрет художника в мастерской) и др. Невероятная тонкость лессированного письма и неправдоподобно точное воспроизведение мельчайших деталей: не только шёлк не спутаешь с шерстью, и мех с бархатом, не только прозрачность воды в стеклянном сосуде лишь чуть искажает стебель цветка, не только грубая основа вытершегося ковра отлична от шелковистости новой скатерти, но даже чертежи и текст в открытой книге не оставляют сомнений в её подлинности и авторстве. И когда рассматриваешь всё это и думаешь, чем был озабочен художник, какие ставил перед собой задачи, понимаешь, как изобретение фотографии перевернуло мир живописи.
Выставка позволяет увидеть влияние Рембрандта, его свето-теневых открытий на живопись современников (Якоб ван Ло (Юноша за чтением), Готфридус Схалкен (Юноша и девушка, разглядывающие статую Венеры)) и в то же время почувствовать, насколько более трагичным было его мироощущение, чем у большинства современников. И об этом говорят не только морщины на лицах его стариков и старух, об этом говорит его «Автопортрет с затенёнными глазами», автопортрет ещё вполне благополучного молодого человека.
Не знаю, был ли это замысел или так само получилось, но Рембрандт словно противопоставлен своим современникам и ученикам, которых больше увлекало изображение обустроенного зажиточного быта, парадные портреты, комические или лирические жанровые сцены, натюрморты …  Но, в первую очередь, библейские сюжеты осмысляются Рембрандтом не как отдалённые во времени нравоучительные истории, а как вечный и во все времена  для каждого человека наиважнейший личностный выбор между добром и злом и цена этого выбора. Оказалось, т.е. увиделось,  что «золотой век голландской живописи», когда, по подсчетам исследователей, в этой небольшой стране было написано более миллиона художественных полотен, необыкновенно поляризован: на одном полюсе Рембрандт, на другом – все остальные. Именно это зримое  воплощение в чудесной  экспозиции полного одиночества Рембрандта с его внутренним трагизмом стало главным впечатлением от выставки.
Хорошая информация:
https://artchive.ru/news/3237~Lejdenskaja_kollektsija_objavleny_podrobnosti_o_predstojaschikh_vystavkakh_v_Moskve_i_SanktPeterburge

Юлий Ким (2018)

Концерт Кима, на котором мы побывали, произвел очень сильное впечатление.
Он состоял из двух отделений.
Первое называлось Народные песни.
Я, конечно, знал, что Ким - автор многих русских народных песен. ("Ходят кони", например, - из самых любимых. Жаль, что он ее не спел. Он спел несколько других, не менее народных).
Но оказалось, что он помог и скандинавским народам и написал скандинавскую народную песню, которую распевают разбойники в его ранней пьесе "Снежная королева".
Она уморительно смешная! Жаль, если вы ее не слышали, потому что на Интернете я ее не нашел. Потом он пел песни времен Гражданской войны, из "Бумбараша". Потом он спел песню, которую поет Миронов, играющий Остапа в "12 стульях". Вот это надо было видеть и слышать, потому что в его исполнении у песни появился совершенно новый смысл.
Андрей Миронов со свойственным ему неотразимым обаянием и шармом первого любовника поет о том, что его одинокая жизнь сулит ему, возможно, большие потери, но за удовольствие попасть в яблочко не целясь он готов и рискнуть. Глядя на Миронова, эта песня воспринимается как обычная песня авантюриста!
Но когда эту песню поет автор, становится понятно, что это - автопортрет, это он о себе поет:
"О, наслажденье скользить по краю,
Замрите, ангелы, смотрите, я играю,
Моих грехов разбор оставьте до поры,
Вы оцените красоту игры."
И многое понимаешь о том, как он жил, когда "вместе со своим тестем П. Якиром и с И. Габаем был соавтором обращения «К деятелям науки, культуры и искусства» (январь 1968) о преследованиях инакомыслящих в СССР", а "в 1970—1971 годах Юлий Ким принимал участие в работе по подготовке «Хроники текущих событий». Некоторые её выпуски этого периода практически полностью отредактированы им." (Википедия)
С середины 60-х до начала перестройки он исчез из подцензурной жизни СССР, работая под псевдонимом Ю.Михайлов. И эта песня, кстати, тоже написана под этим псевдонимом.
И - ничего они с ним не смогли сделать. Он не спился, не сел на иглу, остался незапятнанно белым - "на фоне стальных кораблей".

Во втором отделении он пел песни посвященные своим друзьям.
В одной песне он пел о том, какие концерты устраиваются теперь на небесах! Какие люди поют! А какие - слушают! Самойлов сидит рядом с Ал. Сергеичем и объясняет ему негромко, кто есть кто.
А Есенин рвется за кулисы с криком "Проведите! Проведите меня к нему! Я хочу видеть этого человека!"
И песни на столетие Галича. И на 90-летие Галича.
И такая деталь: "Я очень обязан Высоцкому, - сказал он. - На сюжет его песни ("Бывший лучший, но опасный стрелок") я написал свою первую поставленную в Москве пьесу. Я посвятил пьесу ему и занес брошюрку с текстом и дарственной надписью на Таганку на вахту. Не знаю, получил ли он, может, зачитали".
То есть Высоцкий не ответил, не поблагодарил. Но в голосе Кима не было обиды! А может, действительно, зачитали?! Это неважно. Важно совсем другое. И потому что не обиды, а совсем другое важно, 82-летний бард проводит трехчасовой концерт и поет молодым сильным голосом для большой, 150-200 человек, аудитории.

Ну и, конечно, он пел свои израильские песни. 137-й псалом и "С тех пор как Тит разрушил Храм", и "Они читают Тору". Oн не называл их еврейскими народными песнями. И снова - надо было быть в зале, видеть и слышать его, чтобы было совершенно ясно, это он о себе поет: "Иерушалаим, сердце мое. Что я спою вдали от тебя? Что я увижу вдали от тебя глазами полными слез?"

Какая удача, что я побывал на этом концерте!

Климт и Шиле: Нарисовано. MFA

На самом деле Шиле представлен на выставке гораздо лучше, чем более известный Климт.
Поэтому если кто-то все еще не считает Шиле большим художником 20-го века, эту выставку можно смело пропустить. (Oткрыта до 27-го мая)
Но мне посчастливилось побывать в музеях Вены, в том числе и в Альберта музее, из которого привезли выставленные работы, поэтому я получил представление о том, какого уровня художником был Шиле.
На выставке нет картин, только рисунки, но некоторые из них очень интересны.
Я ничего не скажу о работах Климта. Он - выдающийся живописец, и выставка ничего не добавила к тому, что я знаю о нем или люблю у него.
А вот Шиле предстал (неожиданно для меня) автором проникновенных психологических портретов, сделанных в последние два года его короткой жизни и совершенно лишенных его, казалось, неотъемлемых взвинченности и надлома последних лет.
Женщины на портретах - жена художника и ее сестра.

«Последние дни», (2018). Ал.Бородин, РАМТ

Пост Татьяны Бетчер (Москва)
Тем, кто не знает, рассказываю: этот театр находится на московской Театральной площади, т.е. прямо – Большой театр, справа – Малый театр, а слева – РАМТ ( Российский Академический молодёжный театр, прежде -Центральный детский театр). Именно он, Московский, а затем Центральный детский театр, созданный Натальей Сац в 1921 году, стал родоначальником всех советских ТЮЗов.
Алексей Бородин возглавляет этот театр с 1980 года. Это невероятно! Режиссёр во главе одного театра почти 40 лет, а его постановки оставляют ощущение юношеской энергии и жажды прорыва. 
А афиша театра?! Ни один  московский театр  не ведет такого продуманного, серьезного, целенаправленного и системного разговора со зрителем, как РАМТ. И с маленьким зрителем, и с подростком, и с молодёжью, и с теми, кому за…. Начиная со Стоппардовского  «Берег Утопии», Бородин заставляет нас думать о русском идеализме и утопизме, о судьбе демократии в России и мире, о возможном и невозможном личном выборе в каждую историческую эпоху. Новая постановка, «Последние дни», - обращение к воспитанному театром зрителю, зрителю, знающему, зачем он идёт в театр, готовому к диалогу.
А. Бородину есть что сказать. «Последние дни» - это не только часть названия пьесы М. Булгакова («Александр Пушкин. Последние дни»), это указание на время, о котором спектакль.  Речь идет о последних днях современности, когда мы снова и снова задаём себе вопросы из российской истории и перебрасываем мосты из прошлого в сегодня. Обозначив жанр спектакля «фантазия на тему», Бородин не уточняет на какую – зритель формулирует её сам.Я её сформулировала её как размышление о трагическом выборе России в пользу ВЕЛИКОГО государства, для которого человек всегда только средство достижения этого величия. Если определить тему так, то совершенно органично сплавлены «Медный всадник» Пушкина и пьеса Б. Акунина «Убить змеёныша».
Пьеса Акунина - о плохо нами знаемом историческом перекрёстке 1689 года, когда, сметя царевну Софью, а, по сути, Василия Голицына, попытавшегося повести Россию в Европу ненасильственным путём, на престол сел Пётр и «уздой железной Россию поднял на дыбы».
«Медный всадник» - об определившей дальнейший исторический путь страны трагической несовместимости этой победы и судьбы отдельного человека.  Но Бородину этого мало. Он не может не сказать и о судьбе творца в великом тоталитарном государстве, и первой частью спектакля становится далеко не лучшая пьеса М. Булгакова, написанная в преддверие 100-летия гибели Пушкина.  Конечно, разговор о К. Серебренникове, конечно, это  «Во глубине сибирских руд…» режиссера. На мой взгляд, цельности спектакля это мешает, но цельность гражданского высказывания, его актуальность сегодняшнему зрителю очевидны. Весь художественный стиль спектакля стремится к временнОй неконкретности, обобщенности, избегает конкретности материальных деталей, но явно акцентирует точки пересечения с давнего с сегодняшним. На эту акцентировку работает и то, что актёры исполняют в спектакле не одну роль, а переходят из эпохи в эпоху, из образа в образ.
Мне кажется, что, к сожалению, спектакль долго будет оставаться актуальным, но вневременными всегда остаются «Медный всадник», Пушкин и всё, о чём он заставляет нас думать.

Знаешь, мама, где я был? (2018). Лео Габриадзе

Пост Татьяны Бетчер (Москва)
Когда выходила из кинозала, поймала себя на том, что улыбаюсь.
Просто улыбаюсь тому, о чём думаю. Думаю же о том, что как здорово, что я с советских времён помню, кто такой Резо Габриадзе, помню его фильмы и не пропустила этот - нарисованную и рассказанную им автобиографию, превращенную в кино Габриадзе-младшим.
Наше поколение знает и помнит грузинское кино, главным образом, по трем именам: Сергей Параджанов, Отар Иоселиани и Резо Габриадзе. Но Параджанов и Иоселиани как-то почти сразу взмыли над национальным,  а Габриадзе сделал именно национальное грузинское нашим общим и любимым.  Его «Кувшин», «Бабочка», «Пари», не говоря уж о «Не горюй!», сроднили нас с Тбилиси, Кутаиси и сделали «Цинандали» любимым вином советских студентов.  А  как представить нас без «Кин-дза-дза!»? Да никак! Никчемные годы горячей и холодной войны с Грузией не остудили нашу любовь к Габриадзе, и когда он привёз свой театр марионеток в Москву, народ смёл билеты (очень недешевые!) на все спектакли в один день. И так было три года подряд…
И вот теперь сын показал нам воспоминания отца в рисунках и комментариях. Он сделал это так деликатно, тонко, с такой любовной заботой о сохранении образа, интонации, темпа речи, улыбки или горечи, сквозящих в голосе, так естественно смонтировал анимацию и живую съёмку, что зритель без остатка погружается в море обаяния Резо и безоговорочно верит всему, что звучит с экрана. Сами показанные и рассказанные истории заслуживают особого разговора, особенно рассказ о пленном немце, но об этом лучше поговорить, когда все посмотрят фильм.
И ещё нельзя не сказать о музыке и голосах, которые звучат на протяжении всего фильма. Фильм длится около часа, но в итоговых титрах перечень мелодий, хоров, песен, классической музыки оказывается неожиданно длинным. А ты и не заметил, что всего этого разного так много… Интересно, почему так?  Можно только предположить, что повествовательная интонация и ожившая графика Резо настолько органично дополнены  пёстрой музыкальной палитрой, что, вглядываясь и вслушиваясь, мы оказываемся целиком во власти этих удивительных грузин Габриадзе.

Алексей Любимов

Пост Татьяны Бетчер (Москва)
Алексей Борисович Любимов –  высочайшей пробы музыкант. Он родился в 1944. Среди его учителей была Мария Юдина, и это одно уже говорит об очень многом. А еще о нем есть прекрасная статья А. Шнитке, побывавшего на его концерте в 1973 году и очень высоко оценившего не только исполнительскую манеру пианиста, но и уровень музыкального мышления. («Субъективные заметки об объективном исполнении» в книге «Беседы с Альфредом Шнитке», Классика – ХХI, Москва, 2015). 
Если вам довелось или доведётся побывать на его фортепьянном концерте, имя это вы уже не забудете никогда. Так случилось со мной много-много лет назад, когда я впервые услышала его исполнение Шуберта в Свердловской филармонии. С тех пор стараюсь попадать на его концерты, но возможность эта предоставляется нечасто: подолгу готовит программы, часто бывает в отъезде, сосредоточен на преподавании (Московская консерватория),  да и вообще не ставит рекорды количества концертов, безусловно отдавая предпочтение качеству. И этот концерт состоялся только потому, что Любимову нужно было обыграть на слушателях новую программу, которую он подготовил к долгим азиатским гастролям.Вот программа: «Три пьесы для подготовленного рояля», 1943,1945,1944, Кейджа; «Партита опус 2», 1958, Пярта; «Соната си-минор», 1776, Гайдна; “Soloduiveldans IV”, 1998, Тен Холта и «Шесть прелюдий из 2-ой тетради», 1913, Дебюсси. Что скажете?!
Перед началом Любимов около 40 минут готовил рояль к исполнению Кейджа: что-то прикреплял к струнам, к молоточкам, что-то там защемлял или укорачивал, словом, лишал звук рояля обертонов, превращал его то ли в клавесин, то ли в старинный вирджиналь. Когда зазвучали пьесы Кейджа, стало ясно, что мы были свидетелями колдовства, и вот сейчас этот сотворённый на наших глазах инструмент доносит до нас звучание другой реальности, другой Вселенной. Любимов пояснил, что обычно, если в программе есть Кейдж, то рояля 2 – один для Кейджа, другой для всех остальных. Так как в музее рояль один, то концерт начинался с Кейджа, и  после трех пьес инструмент за 3 минуты был возвращен в исходное состояние, и зазвучали другие голоса.Такое впечатление, что Алексей Любимов задался целью показать слушателям, что то, что казалось новациями и авангардом в середине 20 века, было привнесено в музыку еще в 18 веке  и в начале 20.  Но если в произведениях Гайдна и Дебюсси это были выразительные штрихи, дополнявшие гармоническое целое, то в творчестве Кейджа, Пярта, Тен Холта эти штрихи стали основными приёмами, основой гармоний и композиции, приобрели самостоятельную ценность и звучание.
Всё вместе было невероятно цельно и необычно. Необычность концерта, проходившего в московском Мультимедиа артмузее, подчеркивали и сновавший вверх-вниз бесшумный лифт, и находящиеся в нём люди, неожиданно для себя оказывавшиеся за роялем исполнителя перед рядами слушателей, и семиэтажный атриум музея, создающий прекрасную акустику, и необыкновенно дружественное общение Любимова с аудиторией, его лаконичные, понятные и очень точные пояснения по ходу программы.
Прошло несколько дней, а я всё ещё живу с чувством радости, подаренным мне этим любимовским концертом. Завидую всем, кто его впервые услышит и откроет для себя.