"2001: A Space Odyssey" (1968) Stanley Kubrick

While I may have seen this film as a child because I recognized some scenes, this was the first time I properly watched it (over two days) because I came across it on the German netflix (but not the American version) while looking for something else. And having heard so much about it, I had no choice but to see for myself what the fuss is all about. The film of course has a lot if 'ideas' packed into it, and in that it reminded me of Matrix with its pop philosophy, but just like the Matrix it is really about new consumer technology. Storyline aside, Matrix for me was mostly a film about cell phones (I got my first cellphone after watching it), while Odyssey 2001 is really a film about computers plain and simple. And just like the Matrix in '99 or so came at the right time to tell the world that the (cell) 'phone' is not going to be everyone's best friend and a large fraction of life itself will revolve around phones, reception, and land lines that are never used but sometimes are the only thing that works, so (I guess) Odyssey 2001 made, alien countertops notwithstanding, similar statements about computers and nicely projected so far into the future that it might still be relevant 100 years from now. It is quite amazing how in 1968 Kubrick and/or Clark were able to foresee the current complete dependency on computers and the terrible price one has to pay to unplug. With one or the other type of AI finally coming along after all these years, we'll see what else will come about. One nice little detail was the condescending tone the spacemen used to talk to the computer, and the computer responding in a slightly irritated voice.

So with Odyssey 2001 covering the IT/AI and the Matrix covering the communications, I am still waiting for the definitive film on bio/genetic engineering so we have the complete treatment by the art department of the three great post-war inventions. Need to work on a script!

Дядя Ваня. Театр Вахтангова, режиссер Р. Туминас

Мне очень не понравился этот спектакль.
Если бы попросили одним словом описать, что там происходит, я бы сказал "Кричат".
Если бы разрешили два слова, я бы сказал "Кричат и насилуют".
Спектакль вышел в 2009 году. Я видел запись 2010 года. В 2011 году oн был назван лучшим и получил "Хрустальную Турандот".
Лучший спектакль года!
Елена Андреевна - с интонациями и движениями Снежной королевы из какой-нибудь тюзовской постановки 50-х годов.
Астров - брутальный мужчина с зачесанными назад волосами, которого почему-то подчеркнуто спаивают (вот и режиссерская находка!), то слуга, то нянька. Он открывает широко рот, а они ему вливают туда водку.
Дядя Ваня - встречаемый аплодисментами зала при своем появлении любимый актер Маковецкий, а больше и сказать нечего.
И, наконец, режиссер Туманис, создавший это изнасилование чеховской пьесы, этот ужас,
... в котором Астров насилует Елену Андреевну на верстаке
( а у Чехова:
Елена Андреевна. Клянусь вам...
Астров (мешая ей говорить). Зачем клясться? Не надо клясться. Не надо лишних слов... О, какая красивая! Какие руки! (Целует руки.)
Елена Андреевна. Но довольно, наконец... уходите... (Отнимает руки.) Вы забылись.
Астров. Говорите же, говорите, где мы завтра увидимся? (Берет ее за талию.) Ты видишь, это неизбежно, нам надо видеться. (Целует ее; в это время входит Войницкий с букетом роз и останавливается у двери.)
)
Когда входит с букетом Войницкий, Елена Андреевна тихо плачет на верстаке, а Астров невыразимо хамским движением хлопаeт ее по обнаженной ноге.
... в котором нет слова, произнесенного негромко, и даже Соня в финале кричит свои заключительные слова, которые, казалось, нельзя кричать!
(Я верую, дядя, я верую горячо, страстно... (Становится перед ним на колени и кладет голову на его руки; утомленным голосом.) Мы отдохнем!)
... в котором все лживо, потому что при всем, что происходит на сцене, слова они произносят - чеховские.

Конечно, этот спектакль больше всего говорит о России сегодняшней. Oн идет до сих пор, и на будущий год будет показан в кино, в серии Stage Russia.

Подумав, решила, что эта работа моя любимая, именно она сделана под влиянием Савонаролы, так написано.

Matisse in the Studio. MFA

9-го июля в MFA заканчивается эта очень интересная выставка.
Многие (все?) художники собирали коллекции тканей, одежд, предметов, которые они потом использовали в своих картинах.
Рембрандтовская коллекция вспоминается первой. Он устраивал настоящий театр, изображая себя на автопортретах в костюмах, которые он собирал.
Матисс не увлекался автопортретами, и на этой выставке нет одежд. Но то, что есть, впечатляет не меньше.
Кувшин, ваза, стул, стол входили в его картины и были ему не менее интересны, чем модели или рыбки в аквариуме. Иногда даже кажется, что они и служили источником вдохновения.

Вот кувшин выставлен, ну ничего особенного. Ну линии изгибаются по поверхности. Переводишь взгляд на картину рядом. Прекрасная, яркая картина. И этот самый кувшин - на переднем плане, закручивает ее всю своим изгибающися узором. Уже и расцветка халата женщины слегка подтанцовывает ему в такт, а обои на стене вообще обезьянничают! Переводишь взгляд обратно на кувшин... "Где тот жлоб, который тут только что стоял?" Какой прекрасный кувшин! При всей своей условности Матисс видит и показывает скрытую для будничного взгляда энергию предметов. А кажется, что он ее выдумывает.

Или картина с аквариумом и обнаженной женщиной, лежащей перед ним. Живая, теплая женщина с выразительными изгибами, красиво лежит. С пропорциями, правда, не совсем понятно, банка с рыбками больше женщины, но, может быть, женщина в глубине комнаты лежит на полу, а банка стоит впереди. А потом понимаешь, что на картине -  маленькая скульптурка, a не настоящая женщина. Смотришь на черную рядом выставленную скульптурку. Но в ней жизни нет, а в ее изображении на картине - еще сколько! И то, что Матисс и скульптурку сам сделал, ничего не меняет, не у всех все одинаково хорошо получается. Но глядя на картину понимаешь, что он хотел передать в 3-D.
Вот так из реальности в картину и обратно и переходишь все время на этой выставке, то решая, что отныне будешь любить окружающие предметы, то понимая, что если ты не гениальный художник, то и предметы вокруг тебя ничего особенного не представляют.
Замечательная выставка!
 

Botticelli and the Search for the Divine. MFA

9-го июля заканчивается выставка Ботичелли в MFA. Музей утверждает, что это самая большая и значительная выставка Ботичелли, когда-либо организованная в США.
Ботичелли не принадлежит к моим любимым мастерам Возрождения. В художественно скудной юности я любил его гораздо больше, но с тех пор, особенно, побывав во Флоренции, он стал мне менее нужен. Его фантастическое техническое мастерство оказалось не уникальным, "одиночество в толпе" и непреходящая меланхолия его персонажей перестали вызывать жгучий интерес
Но это все равно - Высокое Возрождение. В его картинах (до определенного периода!) все равно "воздух, воздух, воздух" (Ю.Мориц) и свет, по которому я узнаю Высокое Возрождение.
Поэтому мне очень понравилась эта выставка.

На ней есть несколько картин Филиппо Липпи, учителя Ботичелли. В них нет неба и закатных красок, нет ощущения, что мир за рамками происходящего на переднем плане картины бесконечен, но есть что-то не менее для меня важное - психологизм, человеческие, а не символические лицa, жесты и позы.  Ребенок прижимается щекой к щеке грустной мамы, и у меня, знающего, что произойдет с ребенком, слезы наворачиваются.
Странно, конечно, что пост о выставке Ботичелли иллюстрируется работой Липпи, но остальные работы более-менее не выделяются из того, что я знал до этого. Они замечательны и, конечно, стоят того, чтобы их увидеть (опять или впервые).
А что я не знал, так это что случилось с Ботичелли и его творчеством в начале 90-х. А случилось, точнее, случился Савонарола, монах, переведенный (по просьбе Лоренцо Медичи Великолепного!) во Флоренцию в начале 90-х, сделавший себе имя яростными апокалиптическими проповедями, завоеваший невероятную популярность во Флоренции призывами к равенству, к уничтожению всего, что отвлекает от религии ("языческого" искусства, "сомнительных" книг, зеркал, косметики) и организовавшего публичное сожжение этих предметов. Ботичелли был среди тех художников, кто искренне прониклись идеями Савонаролы, и сами принесли свои картины на сожжение. Ну как не вспомнить "И вас, кто меня уничтожит, встречаю приветственным гимном!" (В.Брюсов)? Масштаб таланта разный, но стремление к самоуничтожению одно и то же. И Ботичелли, писавший по заказам Лоренцо Медичи, исчез, а тот, что появился, стал другим художником. Савонаролу сожгли в 1498 году. Ботичелли умер в 1510 году. Ничего, из того, что он написал за это время, я не могу видеть.
Случившееся изменение хорошо видно на выставке.
Я знаю, что некоторые несогласны со мной в оценке позднего Ботичелли. Было бы интересно прочитать и их мнение.

"Dead Man’s Diary: A Theatrical Novel" Arlekin PlayersTheatre

Последняя по времени постановка театра Арлекин четко обозначила перекресток, на котором находится этот интересный и на многое способный театр.
В спектакле сложное оформление, сложные танцы, придуманные и исполненные с большим мастерством, хорошие режиссерские находки.
И при этом спектакль показался мне - ненужным, что ли.
Я не понял, почему театр решил перевести в пьесу и поставить именно этот роман Булгакова. Что он хотел, чтобы я понял, пережил, почувствовал? Признаться, мне и спектакль Фоменко совсем не понравился (http://moviesarttalk.blogspot.com/2012/12/blog-post.html). Но там я мог предположить, что есть в той российской жизни что-то, что отсюда не видно, что делает спектакль Фоменко в это время в Москве нужным, актуальным.
Почему этот спектакль нужен и актуален в Бостоне в 2017 году мне совершенно непонятно. Я ничего бы не потерял, если бы не пошел на него.
Арлекин - театр с хорошими актерами и думающим, ищущим режиссером. У него пока нет своего лица.
Мне очень интересно, что выберут они для новых спектаклей, каким окажется лицо юного театра.

"The Midvale High School Fiftieth Reunion" by A. Brody. Central Square Theater

Мне понравился и спектакль, и игра Дебры Вайс.
Пьеса - мелодрама о том, как встречаются на 50-летии со времени выпуска из школы (ужас, да? Но в этом году 50-летие моего окончания школы!) двое. Она была самая популярная девочка в классе, а он - тихий и незаметный. Поэтому она его, конечно, не помнит, а он ее, конечно, да. Оба пришли непонятно почему, никогда раньше не ходили на подобные встречи. Оба одиноки. У нее муж умер, от него жена ушла очень давно. У обоих есть что-то в жизни, что было для них всегда важнее всего остального. У нее - наука, у него - его книжный магазин. И что-то кликает. Им обоим вдруг становится понятно, что они в жизни потеряли что-то не менее важное, чем то, чем они занимались, каждый, кстати, - очень успешо.
- О, так вы - будущий нобелевский лауреат? - Возможно. - Я шучу. - Я нет.
И оба решили попытаться - а вдруг! Вдруг пустоту, которая всегда была в их жизни, но никогда не осознавалась, можно заполнить. Вдруг та жизнь. которая начнется с завтрашнего утра, будет совершенно другой! Они боятся в это поверить. А уж мы с нашим знанием жизни и подавно. Но "А вдруг?" все равно появляется и остается
Ну вот.
Главные герои абсолютно естественны, диалоги заставляли меня не один раз удивиться точности: да-да, все именно так.
А при этом они еще и танцуют! А при этом Дебра еще играет героиню в 17 лет - и на сцене действительно 17-летняя девочка!
Конечно, не надо ждать открытий. Жизни, какой она была в год их выпуска, 1954 году, или в год их встречи, 2004 году, в пьесе нет совсем. И "Варшавская мелодия" и "5 вечеров", например, - более глубокие пьесы, в них больше видно. Но мне хватило и того, что есть в этой пьесе, чтобы думать о ней и о себе много дней после спектакля.
Ну, как бы, что еще надо от театра?!